《바다의 얼굴(The Face of the Sea)》

작가 노트

[ENG SUB] 〈바다의 얼굴〉 은 작가가 삶의 방향과 정체성에 대해 깊이 사유하던 시기에 제작된 작품으로, 자연을 통해 내면의 상태를 비유적으로 드러낸 회화이다. 이 작업에서 바다는 단순한 풍경이 아니라, 끊임없이 변화하는 감정과 의식의 표면이자 ‘마음의 얼굴’로 작동한다. 바람과 빛, 하늘에 따라 시시각각 달라지는 바다의 표정은 외부 환경에 반응하며 흔들리는 인간의 내면을 투영한다. 특히 이 작품은 점과 선을 중심으로 전개되던 이전 작업에서 벗어나, 점·선·면의 관계가 하나의 화면 안에서 처음으로 함께 드러난 작업이라는 점에서 중요한 전환점을 이룬다. 은색 종이 위에 아크릴 물감으로 제작된 이 작품은, 번짐보다는 붓의 결이 선명하게 남은 스트로크와 물감의 두께, 그리고 빠른 건조 과정에서 형성된 층과 경계가 화면의 리듬을 만든다. 점처럼 보이는 요소들 역시 안료가 눌리고 쌓이며 형성된 질감의 흔적으로, 파도의 흐름이자 감정의 밀도를 드러낸다. 이 시기는 작가가 아크릴 물감을 사용하던 유일한 시기로, 이후 환경에 대한 인식 변화와 함께 재료 선택이 달라지기 이전의 한 단면을 기록한다. 초기 제목이었던 〈자화상〉이 암시하듯, 이 작품은 특정 인물을 그린 초상이 아니라 자연을 통해 자신을 응시한 내면의 초상에 가깝다. 자연과 자아, 밀도와 비움 사이에서 형성된 이 균형의 감각은 이후 작가의 작업 세계로 확장되는 출발점이 된다. 이 작품은 작가의 초기 작업으로, 졸업심사 당시 작가 안규철로부터 작가의 정체성이 분명히 드러난 작업이라는 평가를 받았다. 이후 연작으로 이어지는 조형적 관심과 태도가 이 작업에서 이미 형성되어 있다. 〈The Face of the Sea〉 was created during a period in which the artist was deeply contemplating direction and identity, using nature as a metaphor for inner states. Here, the sea functions not as a landscape, but as a surface of consciousness — a face reflecting emotions shaped by light, wind, and surrounding conditions. The constantly changing expressions of the sea mirror the artist’s own fluctuating inner states in response to the external world. While earlier works centered primarily on points and linear structures, this painting marks a pivotal transition in which point, line, and plane begin to coexist within a single composition, signaling a shift toward a more expansive pictorial language. Executed in acrylic on silver paper, the work emphasizes visible brushstrokes, variations in paint thickness, and boundaries formed through the material’s rapid drying process, rather than bleeding or diffusion. What appear as dots are accumulations of pigment, pressed and layered to create tactile density — traces of both wave movement and emotional rhythm. This period represents the only phase in which the artist worked with acrylic paint, prior to a material shift informed by growing environmental awareness, including concerns about ecological impact. Originally titled *Self-Portrait*, the painting can be understood less as a depiction of the physical self than as an inward gaze rendered through nature. It stands as a foundational moment from which the artist’s later exploration of sensory and perceptual landscapes unfolds. This work is an early piece by the artist. During the graduation review, it was evaluated by artist Ahn Kyuchul as a work in which the artist’s identity is clearly articulated. The sculptural concerns and artistic attitudes that later developed into an ongoing body of work are already present here.